支離破碎的黑色電影幽魂(二)

「角色就會像是德古拉公爵看到日光一樣尖叫消失。」

視覺風格仍被多數的學者認為是黑色電影最重要的特性,明暗對照法、深焦鏡頭與廣角鏡頭的採用、傾斜的構圖為其主要特色。如以深焦鏡頭來看,葛里格‧托蘭 (Gregg Toland)這位《大國民》的攝影師或許是黑色電影史上重要的一號人物。威爾斯(Orson Welles)曾在訪談時說過【1】,由於大國民是他的首部作,許多的燈光、攝影技巧還不太熟悉,這時這位在三零年代已經和福特(John Ford)、霍克斯(Howard Hawks)、惠勒(William Wyler)等名導合作的攝影師曾給予他許多建議。這層關係也是當法國影評人在戰後看到《大國民》或是《小狐狸》(The Little Foxes)時會如此驚艷的原因。威爾斯電影中以廣角鏡頭構築的空間感與細節,影響著四零年代以降許多重要的黑色電影導演,包括在威爾斯與巴贊訪談【2】中所提到的阿德力區(Robert Aldrich)和雷(Nicholas Ray)。

這個標題出自於Schrader在1972年的《黑色電影註釋》(Notes on Film Noir)中所列的視覺風格之一,他指出「…黑色電影大多數的場景都是夜晚打光。中午,幫派份子坐在辦公室裡,影子拖得很長而沒有燈光。天花板的燈光垂的很低,而落地燈很少超過五呎高…」、「如同德國表現主義,他們更偏愛傾斜與垂直的線條…光線以奇特的型態灑進黑色電影的昏暗房間—崎嶇的四邊形、鈍角的三角形、垂直切線…」、「…給予角色跟場景相同的光線。演員常常被藏在寫實的夜晚城市場景當中…」。

兩年後,在《黑色電影的一些視覺基調》(Some Visual Motifs of Film Noir)中,Place和Peterson重新從打光、攝影機的角度、和場面調度來重論黑色電影的視覺意象。文本首先重新闡釋傳統的好萊塢打光方式,主光(key light)將觀眾的目光集中於角色之上,微量的補光(fill light)用來減緩主光所產生在角色周圍的陰影。黑色電影就是加強補光的強度,以在人物與周圍的場景製造強烈的陰影。人物的特寫也不再有模糊的美感,而是雕像般冷硬。主光與補光被放置在各種奇特的角度,讓空間裡的景物大多數時候和角色有著相同的份量,甚至製造出剪影般的效果。在夜間拍攝的場景取代了日以作夜(day for night)的技法。在《郵差總響兩次鈴》(The Postman Always Rings Twice)這部經典的黑色電影中,海邊的場景還是在白天以濾鏡拍攝,這到更晚期的黑色電影已經完全消失無蹤,因為光影的效果會因天空是灰白色的感覺而被削弱。由於四周的景物不再都是明亮的,景深就成為一個重要的議題。深焦鏡頭描繪的事物細節便顯得更為重要。廣角鏡頭成為攝影師的利器,不僅僅可以處理夜晚場景和低調的打光,更能夠在特寫時呈現某種扭曲的效果。

場面調度部分,鏡子(或是脆弱的玻璃)和畫像是常出現的象徵物,各種只要可以拿來框住人物的窗戶、門、鐵條、電梯也非常常見。如《上海小姐》(The Lady from Shanghai)結尾的鏡像迷宮、《綠窗艷影》(The Woman in the Window)中的畫像到《羅蘭秘記》(Laura)裡像是玻璃動物園(Glass Menagerie)的擺設都可見一斑。鏡頭如同燈光般探索著各種可能性,窒息般的特寫、由上往下拍的遠景廣角鏡頭都在黑色電影中常見。普遍來說,攝影機移動較為限制,也使得每個鏡頭的時間較短。然而,仍不乏出色的長鏡頭,如《歷劫佳人》(Touch of Evil)、《魯莽時刻》(The Reckless Moment)和《殺手》(The Killing)中都有出色的攝影機運動。

從經濟角度談黑色電影風格,最重要的文章應該是保羅.柯爾(Paul Kerr)在1979年所著的《到底是什麼過去?B級黑色電影註釋》(Out of What Past? Notes on the B film noir)。【3】三零年代時,為了吸引更多的觀眾,戲院用各種小把戲想要把觀眾拉進電影院,其中包括樂透、現場表演、送禮物等等,到最後引進了「一票兩場」(double bill)。這對獨立公司是較有利的,因為在這之前,五大片商雖然只掌控全美一成的電影院,但卻控制著七成以上的票房。不過B級製片的興起要到三零年代末期才開始,實因進入有聲時代後各大片廠過量的影片要到這時才消化完畢。

由於放映者難以負擔兩部A級片(A級價位的片), 一票兩場通常就是較貴的A級片跟較便宜的B級片做搭配。兩級拆帳方式也有所不同,A級片通常是按票房收入抽成,而B級片通常是付固定的租金。在這個體制之下,B級片的預算通常因為固定收入而有所限制,伍瑪(Edgar G. Ulmer)的拍攝日期甚至被壓縮至六天內。道具、場景、服裝能借就借,為了不要被人說是抄襲,導演會用各種奇怪的角度與燈光來改變道具的樣貌。特效與動作場景能省就省,除非這段是從別人的「粗剪」借來的。這種粗剪的借用(montage)在1943年後限制生片的存量(raw film stock)後更為顯著。扭曲、劇情連貫錯誤百出,卻又具有異常具有張力與迷人的黑色電影首推伍瑪的《繞道》作為代表。

黑色電影的實現同時也仰賴在三零至四零年代的一系列科技創新,包括Fresnel鏡頭、35mm底片、甚至是前文所提的托蘭式深焦。B級黑色電影之所以風格特殊(表現主義),不僅僅是要對抗A級的黑色電影(寫實主義),更是為了對抗在當時慢慢普及的電視與Technicolor。因此,在Technicolor底片開始普及、價格下降與分離法案【4】的影響之下,B級黑色電影沒落。

【注释】
1.http://www.cinematographers.nl/GreatDoPh/toland.htm
2.《Orson Welles Interviews》(University Press Of Mississippi,2002)
3.此處的B級片定義可能跟現今大家所認知的不太一樣,B級電影原指低製作預算和拍攝時間短暫的電影。但在六零到七零年代之間,B級片大多走向恐怖片風格,其中最有名的也許可指林區的橡皮頭(Eraserhead)。
4.1948年的分離法案禁止片商擁有戲院股份,使得一票兩場的制度沒落,讓B級片難以生存。

【作者簡介】
于昌民
,台大外文系畢,台南藝術大學音像藝術管理研究所碩士生。唯一的熱情,電影。

一条评论

发表评论

这是一个用于测试的演示店铺—将不会履行订单约定。 忽略