如果命运不同，卢卡斯·多恩特（Lukas Dhont）或许会成为一名舞者。在比利时小城迪克尔费内（Dikkelvenne）长大的他，从小就怀揣这个梦想。”但后来，我慢慢意识到，我移动身体的方式、我展示自己的方式、我跳舞的方式，在别人眼里太过女性化了，”他说。一次学校出游，他上台表演了一段舞蹈，却遭到同学的嘲笑。”那时的我，没有勇气做那个与众不同的人。”
就这样，他放弃了舞蹈。母亲是一位时装教师，把她的第一台相机交到了他手上。他开始梦想拍出那种可以逃进去的电影——那个世界与自己的生活毫无关联。然而在电影学院，他第一次看到了同为比利时人的香特尔·阿克曼（Chantal Akerman）的《让娜·迪尔曼》（Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles）。”那部电影深深震撼了我，因为我在其中看到了一种可能——原来摄影机也可以就放在我自己旁边。”
2018年，他凭借长片处女作《女孩》（Girl）完成了导演首秀——故事围绕一个渴望成为职业芭蕾舞演员的跨性别女孩展开，在戛纳电影节一举拿下金摄影机奖（最佳首作奖）和酷儿棕榈奖。此后的《亲密》（Close）同样首映于戛纳，获得评审团大奖。在第95届奥斯卡颁奖典礼上，这部电影代表比利时角逐最佳国际影片。
“13岁的我，手里握着摄影机，正在卧室里又叫又跳！”谈及提名，他特别向阿克曼致敬——正是她让他明白，电影可以”成为一个空间，让人去正视那些从青少年时期就被强加在身上的期待、规则与角色定义”。
以下，是他分享的五部人生重要之作。
1. 《让娜·迪尔曼》（Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles，1975）/ 编剧兼导演：香特尔·阿克曼（Chantal Akerman）
香特尔·阿克曼对我的电影之路意义深重，因为是她让我认识到，电影可以是与现实的一次正面交锋。有意思的是，一件作品有时只有经过时间的沉淀才能真正显现其价值。我不知道《让娜·迪尔曼》刚上映时是否受到了同等程度的重视，但现在，它已登上《视与听》（Sight & Sound）榜首。时间这个维度在她作品的接受史中真的很特别——而时间本身，也是她作品的核心。
她不急着呈现，她不怕沉默，她也不怕让我们感到无聊——就直说吧——因为她知道自己为什么要这样做。她知道为什么要把摄影机架在那间厨房里，对准那个在70年代被限定于那个空间的女人。她以一种极为优雅的方式，向我展示了这一媒介的无限可能——一种我此前从未想象过的可能。
阿克曼还有另一部我同样深爱的作品——《安娜的旅程》（Les rendez-vous d’Anna）。我记不住英文片名，但法文片名本身更美。每当我需要重新靠近”我为什么走上这条路、我为什么做我所做的事”这个问题时，我都会回到她的作品。那些我们每个人都会经历的时刻——不知道自己在做什么的时刻——我会在那时重温它们。《让娜·迪尔曼》，尤其是这一部，开启了我的眼睛。
2. 《爱的世界》（Misunderstood，1966）/ 导演：路易吉·科门奇尼（Luigi Comencini）| 编剧：莱昂纳多·本韦努蒂（Leonardo Benvenuti）、彼耶罗·德·贝尔纳迪（Piero De Bernardi）
这是我所见过的极少数真正以儿童视角处理丧亲之痛的电影之一。故事讲述两兄弟，母亲去世了，我们跟随他们走过悲恸——那种悲恸有它独特的质地，因为孩子经历悲伤的方式与大人截然不同。你处于一种懂了、又没有完全懂的状态之间。这是一部极为温柔的电影，不只是在人物关系的处理上，更在于它面对这个极其沉重的主题时所保持的那种轻盈与脆弱。
这是那种感觉已经铭刻在我身体里的电影。它渗透进来了。有时候，面对伟大的作品，片中的人物会成为你的一部分——因为他们与你相连，或者因为你透过他们的眼睛看见了更清晰的自己。我童年时经历过丧亲，而那个哀恸中的孩子与这两个男孩产生了深深的共鸣——看见他们，我感到不那么孤独了。我看见了自己的影子。我始终觉得，电影作为一个让人照见自己的地方，有着无可替代的价值，因为对许多人来说，它让我们知道自己并不孤单。《爱的世界》为我做到了这一点。
3. 《花样年华》（In the Mood for Love，2000）/ 编剧兼导演：王家卫（Wong Kar-wai）
那部电影里有一种渴望，也有一种寓于距离之中的情欲，作为一个酷儿，我与之产生了极为深刻的共鸣。年少时，爱于我而言更多是渴望，而非实现。欲望与允许自己靠近之间，始终存在着一道裂缝——我觉得这正是《花样年华》中最核心的东西。那是一段伟大的爱情，发生在两个终究不会走到一起的人之间。那份深沉的、无以复加的爱，在悲剧的同时又极为人性，让我产生了非常非常深的共鸣。而且这是一部极具舞蹈感的电影，我身体里那个舞者，真的非常非常爱它。
我爱这部作品的另一重原因，在于它的视觉呈现。它有一种色彩，一种感官质地，常常令人有如置身一幅画中。服装的美、空间里的光线、整体的色调——这些对我来说都是美学上的关键参照。我读的电影学院将纪录片与剧情片并重，在与演员的工作方式上，我有很强的纪录片思维。但在视觉风格上，我真的非常着迷于色彩、表现主义和象征主义，因此王家卫的宇宙是我灵感的重要源泉。这部电影我每年都会重看。它也是那种让我想要活在其中的电影——我愿意就住在《花样年华》里，住一辈子。
4. 《灰色花园》（Grey Gardens，1975）/ 导演：阿尔伯特·梅索斯（Albert Maysles）、大卫·梅索斯（David Maysles）、艾伦·霍夫德（Ellen Hovde）、玛菲·迈耶（Muffie Meyer）
这份片单里必须有一部纪录片，因为纪录片对我的影响很深。我记得第一次看《灰色花园》，整部电影我几乎是目瞪口呆地看完的。现实有时比虚构更疯狂——这个念头在那一刻变得无比具体。片中两位主角之间那种美得令人窒息的关系，给了我极大的触动：人与人之间的联结，真是一件多么奇妙的事。但同样让我着迷的，是创作者与被摄者之间的那层关系。
小伊迪（Little Edie）爱上了摄影师，时刻想在他面前表演、展示自己最好的一面。我记得她在楼梯上为他起舞的那一幕，人物与摄影机之间的那种勾引与被勾引，将永久留在我的记忆里。与这两个人同处一个空间，看见她们、真正看见她们——连同她们美好的与不那么美好的一面——那种诚实与复杂，给了我极深的震撼。很长一段时间里，这部电影让我不断追问自己：我究竟想拍纪录片，还是剧情片？纪录片所拥有的力量，把真实的人呈现给更多人的力量，令我着迷。
5. 《燃烧女子的肖像》（Portrait of a Lady on Fire，2019）/ 编剧兼导演：瑟琳·席安玛（Céline Sciamma）
我认为这是一部经得起时间考验的电影。它讲述了一段爱情故事——在那个时代，这样的爱往往是被抹去的，而这部电影让它变得可见。它也是关于女性目光，关于那些名字被一次次从历史中抹去的女性艺术家的故事。从剧本的写作，到摄影机的位置，再到这段爱情的感官质感——一切都令人叹为观止。
我认为瑟琳·席安玛（Céline Sciamma）是我们这个时代最伟大的导演之一，她让我想要变得更好。她是那种挑战我的人。她能够挣脱那些被强加给我们的思维方式，挣脱那些关于如何再现世界的既定规则。她改变了语言，改变了期待，也改变了一段酷儿爱情故事应该如何收尾。在很多方面，她或许走在我前面，而我喜欢这一点。我觉得自己可以从她的电影里学到东西。她激励我——而且她是法国人，这也很棒。
📝This article was translated with the assistance of AI tools, then reviewed and edited for clarity, accuracy, and style by the Cinephilia editorial team. It is published by Cinephilia.net for non-profit educational purposes only. All rights belong to the original author and the publication as mentioned below. If you are a rights holder and wish to request removal, please contact us at cinephilia@cinephilia.net
｜Copyright Notice： Ethical Use & Content Policy
