孟子曾说，鱼与熊掌不可兼得。意在提醒人们在面对美好事物时要懂得取舍，做好抉择。《爱乐之城》的结尾似乎就在告诉我们，爱与梦想也不可得兼，正如米娅与塞巴都实现了自己的人生理想，却并没有将爱情进行到底。然而，在这座城市打拼的两位主人公从一开始就并未陷入一潭死水的僵局，生活的重压与梦想的渴求看似不可调和，但是都在按部就班地进行着。开场令人惊喜的长镜头中，令人焦虑的交通堵塞，并未磨灭人们对生活的希望；可欢快唱歌与舞蹈的人儿，终究还是要回归现实。
导演是在强调，追逐梦想的旅途一直在进行，尽管会遭遇波折，甚至停滞不前，但是真的并没必要表现得太过苦涩。其实影片就是一个关于爱情与梦想主题的故事。尽管从头到尾的故事情节都难以免于俗套，但是导演在人物情感的把握细节部分做到了极致。同时，在视觉风格上，影片参照了法国电影导演雅克·德米的两部歌舞片《瑟堡的雨伞》（1964年）与《柳媚花娇》（1967年）。有意思的是，这两部影片的故事主角都与《爱乐之城》一样，聚焦于城市生活中的小人物，并透过小人物所经历的人情冷暖关照整个时代与社会的变迁。透过借鉴六十年代歌舞片的佼佼者，《爱乐之城》的野心可见一二。
这种野心见于影片从头至尾的细节中，从影片拉开帷幕的开始就体现得一览无余：正片字母就醒目的表面，影片使用的是Cinemascope拍摄。知道电影史的人都知道，Cinemascope是一种盛行于上世纪五六十年代，用于宽银幕的摄影与放映的技术，放映画面宽高比为2.35：1。也就是说，影片从此奠定了其致敬的意图。而歌舞片本就属于好莱坞电影的一个重要类型，在1930年美国大萧条时盛行一时，在各个时期也出现过不少经典之作，诸如《绿野仙踪》（1939）、《红菱艳》（1948）、《雨中曲》（1952年）、《西区故事》（1961年）与《音乐之声》（1965年）等。七十年代后，歌舞片全面进入萎缩时期，传统单一的表现手法已无法满足世人的需求，创新的路子偶有尝试，出现过诸如《油脂》（1978年）这一象征着歌舞片复兴的作品，却并未掀起新热潮。新世纪后，从《红磨坊》（2001年）开始到《芝加哥》（2002年）登顶奥斯卡最佳影片，少有出彩的作品。除了之前安妮·海瑟薇凭《悲惨世界》（2012年）拿到最佳女配角引发一阵舆论讨论后，这一类型已然沉默了多年。
尽管不能将奥斯卡作为唯一评判影片价值的依据，但是依旧能够从这些影片中横向的比较，诸如《芝加哥》。如果拿《芝加哥》来进行比较，《爱乐之城》的故事性与戏剧冲突性就逊色很多。单从剪辑来说，《芝加哥》的多段场景所运用的隐喻、交叉与平行蒙太奇等手法就略胜一筹，诸如堪称影史经典的“监狱探戈”、“操控木偶”等，更不要说它对二十世纪二十年代芝加哥的现实世界的尖锐讽刺了。然而，导演并不仅仅是对早期歌舞片的致敬，其实是在表达他对美国流行文化中所有流传至今的经典之作的致敬：从女主角床头安放的英格丽·褒曼的海报、影史经典《卡萨布兰卡》（1942年）的多次提及，以至于在影片开头长镜头的歌舞后，男主角车上广播中提到的1998年奥斯卡最佳影片《莎翁情史》的广播声，无一不是在强化美国文化的传播在细微之处，更是一种文化传播的表现。
那么，为什么这部影片会以七提七中的强势之态横扫第74届美国电影电视金球奖？除了影片对歌舞片的相关致敬能够俘获人心之外，那就需要对美国社会的历史与现状做一番梳理。这部影片的导演达米恩·查泽雷曾凭借长片处女作《爆裂鼓手》（2014年）拿下奥斯卡最佳男配角、剪辑、音响效果三个奖项，《爱乐之城》是他在这之后的第二部长片。《爆裂鼓手》讲述的是一个有关梦想的故事，主人公安德鲁希望通过自己的努力成为顶尖的爵士乐鼓手。这个擅长讲述追逐梦想主题的导演，用音乐的节奏感营造出了一出精妙绝伦的励志故事，到了这部影片，依旧如此。当那些充满节奏感的音乐伴随着人物的生活轨迹进行之际，在获得视听享受的同时，自然而然，也会启发人们对坚持不懈地追逐梦想的思考。
85后的新导演同样经历过这样的生活经历，正如这一代年轻人的成长经历一样，故事正是这一时代变迁中的缩影。自30年代以来，美国经历了世界战争与经济萧条，却也建立起了较为完善的社会保障体系，那时的人们刚开始享受温饱，也是在这一时期，歌舞片让因经济萧条陷入苦闷和失落的美国民众得以抒发情感，让这种类型电影容易被更多的观众所接受和喜爱，不过还未上升到对精神世界的追求；二战后，40年代至50年代的美国主流文化试图建立起牢固的新文化秩序，可仍有更多的人渴求无序、狂欢的文化与生活状态，即被称为“垮掉的一代”；50年代中期，在美国纽约等多地出现的以奇装异服与怪异行为反抗传统活动的“嬉皮士运动”，愈演愈烈，并逐渐为60年代波及全球的学生反叛运动奠定了基础；到70年代，美国处于经济急剧上升的阶段，物质主义主宰一切，被称为美国经济的“黄金时代”；到了80年代，尽管美国社会的状态处于明显的波动中，而相对“衣食无忧”的生存状态让美国人开始寻找更加深层次的精神追求，音乐、电影等流行文化飞速发展，涌现出众多风靡全球的流行文化的代表。直到当下，稳定的经济生活支撑让美国社会的年轻人渴求的是生活的本质，而不是为了单纯的物质生存而生活。梦想的力量使得愈来愈多的年轻人跳脱出生活本身，追求实现个人价值的最终归属。于是，在影片中，逐梦可能难以温饱与享乐，却无法阻止每个人在梦想的路上前行，诸如尽管塞巴会为了微薄的薪水迎合大众口味而妥协，却其实并未偏离梦想原本的轨迹，而这样的故事只是当下美国社会中的个例而已。
生于1985年的导演达米恩·查泽雷正处于这样一个为了实现个人梦想价值的时代。层出不穷的流行文化实践，将个人意志与价值追求放在了较为醒目的位置。作为最广泛、最迅速的传播媒体，则制作出了满足大众实现个人梦想的电视节目，诸如《美国之声》——这一平民歌手选秀节目甚至波及世界各国，家喻户晓，给予诸多怀揣唱歌梦想的素人成为光彩夺目歌手的机会，并演变出世界范围的流行文化现象。从电视到电影，从梅里爱将人类登上月球的梦想视觉化开始，电影作为造梦的工具，在白日梦的时空幻境中，开始书写不同人物对梦想追求的故事。然而，正是这样世界性平民造星现象的无限复制，使得梦想的实现变得难上加难。平台的增多，也让不安现状的各种人借着梦想的名义暗箱操作、金钱至上，也让真正有才华的人步履维艰。就像是影片中米娅多次试镜、无功而返的无奈，以及塞巴对爵士乐的执着并不会带来名气与金钱一样，也正如本片导演的电影之路也不是一帆风顺，导演对陷于追求梦想困境中的感同身受透过影像进行表现，让影片本身具有了某种向上的价值。
最后，《爱乐之城》让很多人似乎看到了歌舞片复兴的影子，而且这部影片极有可能与14年前《芝加哥》一样，最终登顶2017年奥斯卡最佳影片的殊荣，但是面对当下的电影工业的发展趋势，歌舞片的回归也只可能是一个美好的想象，必然无法再造上世纪璀璨夺目的辉煌。不过，这部影片确实可以让人对成功前的挫折与无奈感同深受，不失为当下都市中急功近利的浮躁心态温柔地打了一针安抚剂。也在告诉大众，每个人都想着要成功，但成功背后的辛酸血泪史并不简单。而整部影片就在告诉我们，梦想还是要有的，万一实现了呢？
